프란시스 베이컨 (Francis Bacon)

Text by 최유진

출생: 1909년 10월 28일, 아일랜드 더블린             Self-portrait / 1985~1986

사망: 1992년 04월 28일, 스페인 마드리드

 

그림에서 소리가 들린다면 믿어질까? 사람들의 비명 소리와 정지된 공간 속에 숨어있는 공명(共鳴)까지 전달되는 그림은  아마도 에드바르트 뭉크 (Edvard Munch)와 프란시스 베이컨(Francis Bacon) 정도가 아닐까 싶다.

  

그는 10대에 동성애자에게 성폭행을 당한 뒤 자신도 동성애자임을 알게 되었다. 그로 인해 집을 나와 평생을 독신으로 살았다. 다행히 그의 나이 18세 때 아버지가 삼촌들을 후견인으로 세워 베를린에서 생활할 수 있도록 했다. 베이컨은 20대 초반에 그림을 시작했지만 크게 두각을 나타내지는 못한 채 이후 15년간 가구와 양탄자 디자인, 인테리어 장식을 하며 생계를 유지하는 정도였다. 물론 작가는 훗날 그간의 시간들을 '흥미를 끌만한 주제를 찾기 위한 시간'이었다고 말했다.

 

1940년부터 꾸준히 인간의 두상과 여러 형상들을 표현한 작품을 그려오던 그에게 미술계에서 국제적 명성을 얻게 된 작품은 '삼단제단화 십자가책 형(1944)'이었다.  아직까지도 많은 사람들에게는 베이컨을 떠올리는 첫 번째 작품이기도 하다. 교황의 비명소리가 생생하게 들리는 것 같은 괴기스럽고 혼돈스런 그림은 너무나도 강렬하다. 그의 작품은 그때까지 누구도 표현하지 못했던 인간 내면의 모습을 적나라하게 보여 주었다. 또 한 가지 흥미로운 사실은 그가 ‘아는 것이 힘이다’라는 말을 남긴 위대한 철학가 프란시스 베이컨(同名)의 배다른 형인 니콜라스 베이컨의 후손이라는 점이다.

삼단제단화 십자가책 형,1944

프란시스 베이컨은 주로 인간의 폭력성과 불안감, 무의식의 자아를 왜곡된 기형의 형태로 형상화 하였다. 특히 종교화에서 주로 사용하는 삼면화를 사용하여 공간과 인간의 비가시적인 내면 깊숙한 모습을 더욱 극적으로 표현했다. 그가 표현하는 인간의 불안전한 감정들은 절망으로 절규하며 그 모습을 드러내고 있다.

또한,   베이컨의 그림은 장식적인 요소가 전혀 없다. 인간이 숨기고 있는 또는 표출하고 싶어 하는 두려움이나 고독함을 직접적으로 전달하여 보는 이로 하여금 당혹감을 느끼게 한다.

 

보이지 않는 인간 내면의 모습을 가시적인 형태로 표현한 베이컨은 당연히 그 시대를 대표하는 영국 최고의 표현주의①작가라고 할만하다.

그림 속에 너무 많은 메시지를 담거나 표현의 근원적인 부분을 정확히 이야기 하는 것은 그의 작품에서는 불가능해 보인다. 특히, 사람들을 직접 만나 관계하는 것보다는 사진을 통해 교감하거나 정보를 수집하는 것을 더 선호했던 베이컨은 초상화를 통해 인간의 한계점을 드러낸다.

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①표현주의 [表現主義, Expressionismus]_ 세계미술용어사전

미술사와 미술비평 분야에서 사용되고 있는 용어. 미술의 기본 목적을 자연의 재현으로 보는 것을 거부하며,

르네상스 이래 유럽 미술의 전통적 규범을 떨쳐버리려 했던 20세기 미술 운동 중의 하나.

 표현주의자들은 예술의 진정한 목적이 감정과 감각의 직접적인 표현이며 회화의 선, 형태, 색채 등은

그것의 표현가능성만을 위해 이용되어야 한다고 주장했다.

따라서 구성(구도)의 균형과 아름다움에 대한 전통적 개념은 감정을 더욱 강력하게 전달하기 위해 무시되었으며,

왜곡은 주제나 내용을 강조하는 중요한 수단이 되었다. 

 

 

  

영국 최고의 표현주의 화가

베이컨의 1969년작 ‘루치안 프로이트의 습작 3점’이

(1억4240만 달러•2013년 11월 12일)에 그 당시 최고경매가로 낙찰!

 다음은 프란시스 베이컨이 직접 남긴 글과 말을 녹취한 내용이다. 

 

얼굴을 가리지 말 것, 

하지만 카오스 속에서 아름다움을 무시하지 말 것, 

조화를 포기하지 말고 공포를 드러낼 것, 

이제껏 한 번도 형태를 가져보지 못했던 것에 형태를 주도록 시도할 것, 

고뇌를 형상화 할 것!  

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자신이 갖지 못한 것을 보완하도록 인간에게 상상력이 주어졌다.

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나 자신을 위해 그림을 그립니다. 그것 말고 달리 뭘 위해 그리겠습니까? 

구경하는 사람을 위한 작업은 도대체 어떻게 할 수 있는 겁니까? 

보는 사람이 원하는 게 무엇일지 상상하는 건가요? 

다른 사람이 내 작품을 좋아해 주는 게 언제나 놀랍습니다."

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작품에 대한 오독에 화가 나지는 않습니다. 그러기 마련이니까요. 

하지만 가능하면 특색 없는 제목을 유지하고 싶습니다.

제목이 이미지 안에서 거짓말을 하기 때문입니다. 

나도 내 작업의 상당 부분을 해석하지 못하는걸요.  

나는 작품을 통해 뭔가 ‘말하려’ 하는 것이 아니라 그저 뭔가를 ‘하려’ 하는 겁니다.

 

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나는 왜 정육점의 고기가 아닌가?

 

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본래 맥락으로부터 떼어내 인위적 구조 속에서 재구성한, 

덜 사실적인 듯 그린 그림이 훨씬 더 실체와 유사해 보인다.

 

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나는 다른 사람들이 내 작품에 대해 어떻게 생각하는지에 대해 무관심하다.

 

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이제 인간은 자신이 우연적인 존재이며, 의미 없는 존재이고, 

까닭도 없이 유희를 끝까지 연기(acting)해야 한다는 사실을 알고 있다.

 

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있잖아, 사실 런던 테이트에 있는 에릭 홀 초상은 ‘먼지’로 그린 거야. 

그 사람 옷에 물감은 한 방울도 쓰지 않았다고. 바닥 먼지를 쓸어 모은 다음 

아주 얇게 발라서 얻은 회색이지. 모직 정장 보풀을 어떻게 표현할까 고민하다가 떠오른 생각이었어. 

그런데 미술관은 그 작품 재료가 먼지인 걸 알리길 원하지 않을걸?

 

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그림을 진정으로 느끼는 사람은 거의 없을 것이다.

지적인 사람들은 그림을 읽고 이해한다고 생각하지만, 

그림에 미적으로 감동받는 사람들은 극히 드물다.

 

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내 생애의 어떤 시점에서 피카소는 내게 막대한 영향을 미쳤지요. 

피카소가 나로 하여금 어떤 것을 보도록... 아니, 보지 않도록 도와주었다고 말하고 싶군요. 

어쨌든 나는 피카소를 굉장히 존경했습니다. 그러나 피카소 역시 모든 것으로부터 영향을 받았다는 것 또한 사실입니다. 

그는 모든 것을 빨아들이는 스펀지와도 같았지요. 

이 점이 바로 내가 영향에 대해 말할 때 생각하고 있는 바입니다. 

즉 스펀지가 모든 것을 흡수하는 것과 비슷한 현상이지요. 

 

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회화에 관해서든, 혹은 시처럼 다른 예술 분야에 관해서든 설명이란 내게 불필요해 보입니다. 

나는 한 편의 시를 혹은 한 장의 그림을 설명하는 게 가능하다고 믿지 않습니다.

 

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예술에서 어떤 작품이 우리에게 영향을 미치고, 생각하게 만들고, 새로운 작품을 낳게하는 것은 하나의 끝없는 순환 사슬입니다. 

예술에서의 지식은 과학에서의 지식처럼 누적되는 것이 아닙니다.

무언가를 창조한다는 것은 한 예술가로부터 다른 예술가에 이르는 일종의 메아리지요.

 

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화가가 보기엔 푸줏간에서도 고기 색이 가져다주는 커다란 아름다움이 존재하는 법입니다.

 

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카오스 속에서 아름다움을 무시하지 말 것, 조화를 포기하지 말고 공포를 드러낼 것, 

이제껏 한 번도 형태를 가져보지 못했던 것에 형태를 주도록 시도할 것, 고뇌를 형상화 할 것, 

여기에 바로 가장 고귀한, 가장 어려운 그러나 또한 가장 필요한 작업이 있지 않은가? 

 

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유일하게 효과적인 비평이란 당신 자신일 뿐입니다. 

즉 당신이 그림을 그리는 동안 당신의 작업에 영향을 미치는 것은 당신 자신입니다. 

그런데 그 두 개의 자아가 똑같은 것은 아닙니다. 

작업 중에 작동하는 비평적 감각이란 가능한 한 최상의 마지막 이미지를 얻기 위해서, 

캔버스 위에 이미 존재하는 모든 것들과 함께 당신이 어디로 갈 수 있는지 무엇이 가능한지를 발견하는 기능입니다. 

그런데 그 당시 가장 좋아 보이는 것이 나중에 내 그림을 볼 사람들에게 반드시 가장 큰 즐거움을 주는 것은 아닙니다.

 

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무엇이 한 작품을 실패로 그리고 다른 작품을 성공으로 이끄는지는 여전히 수수께끼로 남아 있다는 점입니다. 

가장 중요한 것은 그림을 보고 시를 읽거나, 혹은 음악을 듣는 일입니다. 

그것을 이해하거나 알기 위해서가 아니라 무언가를 느끼기 위해서 말입니다.

 

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추상미술은 내겐 하나의 손쉬운 해결책으로 보입니다. 그림 그리는 재료 자체가 추상물이지요. 

그런데 회화란 단지 물질에 불과한 게 아닙니다. 

그것은 물질과 주체 사이에 벌어지는 어떤 갈등의 결과이지요. 거기엔 이른바 긴장이 존재하는데, 

나는 어쩐지 추상 화가들은 이러한 갈등의 두 가지 측면 가운데 하나를 처음부터 제거하고 시작한 게 아닌가라는 느낌이 듭니다. 

즉, 오로지 물질만이 그 형태와 규칙을 지시하지요. 나는 그것을 하나의 단순화라고 생각합니다. 

끊임없이 변화하는 인간의 형상은 매우 중요하다는 걸 또한 나는 깨닫습니다. 

추상은 한 번도 내게 충분한 적이 없었지요. 그것은 결코 나를 만족시키지 못했습니다. 

추상은 근본적으로 회화를 순수하게 장식적인 어떤 것으로 환원하는 것처럼 보입니다.

 

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삶이란 참으로 폭력적인 거지요. 내가 그릴 수 있는 것보다 훨씬 폭력적이지요! 우리는 늘 폭력에 노출되어 있습니다. 

그리고 요즘 들어서 전 세계로부터 쏟아져 나오는 수백만의 이미지들과 더불어, 

폭력은 어디에나 존재하며 그리고 폭력은 영원하지요. 정말로 내 작품이 폭력적인가, 도무지 믿기지 않는 얘기입니다. 

그런데 근본적으로 내가 제대로 이해하지 못하는 것은 아마도 폭력이라는 단어 그 자체일 것입니다. 

 

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나는 너무 깨끗한 곳에서는 작업을 하지 못합니다. 이처럼 어질러진 곳에서 그림을 그리는 게 내겐 더 쉽습니다. 

왜 그런지 나도 모르겠지만, 그게 도움이 됩니다. 

나의 작품에 대해서도 똑같은 생각이 들지요. 작업을 시작할 때 나는 어떤 아이디어들을 갖고 있을 수도 있지만, 

대개의 경우 내가 가진 유일한 아이디어는 무언가를 한다는 것뿐입니다. 내 머리 속에서 제대로 정돈된 거라곤 아무것도 없지요.

 

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설령 그것들이 단순한 복사품일지라도, 화가는 그림을 그려야만 합니다.

 

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